《Random Access Memories》（下稱《RAM》）是有史以來制作最精良、投資最浩大、制作最耗時的專輯之一，有望成為年度最暢銷專輯，並向當今音樂行業的觀念發起了挑戰，這是”對當今單曲銷售模式的全面戰爭”：先發專輯，再上 iTunes。Daft Punk 還拒絕為新專輯巡回宣傳，他們希望讓專輯自己宣傳自己。
《RAM》的制作亦引起強烈反響。主流媒體罕見地給一張專輯做出制作方面的評價：”細節處理令人難以置信，不惜血本”、”聽起來得花上百萬美刀！”…而 Daft Punk 成員 Thomas 接受采訪，說專輯的制作費用遠不止百萬——在整個行業吝嗇於對專輯進行投資時，這張不惜成本、歷時五年完成的專輯，值得音樂行業思考。
Analog 之旅
《Homework》 (1997) 和《Discovery》 (2001) 的成功，讓 Daft Punk 成為電子舞曲的指明燈，這次他們改玩懷舊慢歌，七八十年代的慢歌”代表了錄音技術的巔峰”，他們批評在電腦上創作——”那根本不是樂器”。《RAM》回歸到七八十年代的錄音方式，這意味著龐大的錄音預算、雇用最頂尖的樂手、還要租用全套模擬設備的頂級大棚，這麼做是為了”讓專輯在將來能成為音色的典範”。
這並不是兩個中年法國音樂人拍腦門的決定，Daft Punk 抱怨當今的電子樂是 “科技的盛宴”，而《RAM》的制作參考了很多歷史上的傳奇專輯，像《加州旅館》、《月之暗面》、封面背景參考 Michael Jackson《Thriller》、專輯第一首歌名是《Give Life Back To Music》，正是闡述了專輯的使命。
在大家都認為數字技術完勝的時候，很難理解《RAM》會花這麼大一筆錢、花這麼多時間去醞釀。Daft Punk 御用錄音師 Peter Franco 說，要捕捉到樂團的聲音和情感，唯一的方法就是回到模擬時代。
Franco 與 Daft Punk 首次合作是 2006-2007 的巡回演唱會，他也因制作這張現場專輯《Alive 2007》獲得格萊美最佳電子樂專輯獎。他認為”模擬設備不僅形像生動，即便聽不出不同，卻能感覺到它們，音樂不外乎就是感覺。Daft Punk 始終留意著數字技術的利弊，在演唱會上力圖擺脫數字，現場擴聲需要經過多次DA數模與AD模數轉換，你聽到音箱裡的聲音，至少已經過 3-4 次轉換，多少有音質損耗。在新專輯中，要弄明白什麼是”模擬”，是一條漫長的道路。”
圖：Peter Franco 在 2006~2007 年與 Daft Punk 合作的巡回演唱會。
磁帶實驗
2008年《RAM》開工，Daft Punk 本應延續以前的模式——《Human After All》（2005）僅用六周進行制作。由於2006-2007年巡回演唱會顛覆了整一代美國音樂人對電子舞曲的看法，他們開始對新專輯有了不同的想法，他們在洛杉磯租下了 Henson Studios（前身是著名的 A&M），然後請 Franco 來做”實驗”。
Franco 回憶：”我們做了很多測試，將 Pro Tools 錄好的素材以不同電平轉錄到磁帶，再將磁帶的素材轉錄回 Pro Tools。接下來用磁帶直錄相同的素材，然後轉錄到 Pro Tools。相比較我們更喜歡用磁帶直錄，然後轉到 Pro Tools。”
“追尋’Analog’不僅為了追尋逝去的聲音，還為了得到最好的音質。一開始我們就想盡量模擬化，Thomas 和 Guy-Man 也不想用任何插件。我完全支持——插件只是在努力模仿硬件，和真正的硬件還有差距——尤其是數字壓縮。現在所有人都用同樣的插件來做音樂，我們要跳出這種模式。”
“測試之後，我們錄了一些想法，而且同時用模擬和數字方式來錄音（對比音質），我們想讓唱片聽起來與眾不同，就像在現場為大家演奏一樣。工程開始時用到一堆鍵盤，像 Prophet 5、Jupiter 6、Juno 106 和 Yamaha CS80。Daft Punk 是設備達人，他們風趣幽默，創作時非常隨意，讓人驚訝的是，大部分主旋律是在最後階段才完成的。”
圖：制作人 Todd Edwards 為《Fragments Of Time》貢獻歌詞與人聲。他所描述：”他們讓我在專輯裡唱歌，詭異的是，我一到棚裡，他們就讓我開始錄了！他們對專輯的整體把握讓我印像深刻，雖說自己也是小有名氣的制作人，可看到他們制作的過程之後，我覺得還有很多地方需要學習！”
《創戰紀》的影響
准備工作完成後，Daft Punk 參與了一個耗時兩年的項目：為迪士尼《創戰紀》創作原聲（全美專輯榜 No.4，格萊美影視配樂提名）。除了合成器，他們動用了整個交響樂團，並認識到現場演奏的好處，這個經驗讓他們對新專輯的目標更為清晰。同時他們也物色到了頂級的樂手，這些樂手均參與過七八十年代經典專輯的錄制，現場演奏能帶來”無限的微妙變化，是機器無法比擬的”。
Franco 評價說：”這兩年讓他們更了解自己想要什麼。Guy-Man 和 Thomas 從巴黎帶來了模塊化合成器、以及一些由 Modcan 等知名工程師量身打造的小模塊。大部分合成聲音都是模塊化合成，包括鼓，例如《Doing’It Right》。我看著那些復雜的信號跳線，聽到他們調出的聲音，嘆為觀止。相比起來，他們在2008年用的那些合成器實在太簡單了。”
圖：Daft Punk 在《RAM》中用到的模塊化合成器
自由的節奏
下一階段在 Conway Studios 展開，他們請來了地球最牛掰的錄音樂手：貝司手 Nathan East 和 James Genus、鼓手 Omar Hakim 和 John Robertson、鍵盤手 Chris Caswell 負責專輯的管弦配樂和編曲。錄音師 Mick Guzauski——Daft Punk 所參考的許多懷舊專輯，Guzauski 都有參與制作，包括 Michael Jackson、Quincy Jones、Eric Clapton、BB King、Michael Bolton…
“Thomas 和 Guy-Man 對音色有明確的想法”，Guzauski 回憶，”他們想要復古的、模擬的、流暢的、卻又現代的聲音。他們不想讓我用任何插件，讓我同時進行模擬和數字錄音。他們帶了歌曲小樣、自己的模塊合成器、以及幾個很舊的復音模擬合成器。在錄音階段，Thomas 和 Guy-Man 讓樂手自由地即興創作，我們錄了很多即興的片段，然後挑選滿意的，組成完整的作品！”
“最初的小樣都零零碎碎，只有兩三軌”，Franco 說，”我們關心的是營造出了什麼氣氛、寫了什麼和弦，然後 Guy-Man 和 Thomas 跟我們交流，樂手也出來，然後再進棚、再演奏。我們確保樂手完全自由、全身心投入到演奏中。這些樂手都演奏過許多經典曲目，為他們錄音就是一場聽覺盛宴。磁帶的錄音會以 96kHz 導入 Pro Tools，我們花很長時間對比磁帶與 DAW 直錄的素材，選出更好的拿去編輯。”
圖：Conway Studios 與 Neve 88R
錄制過程
Conway Studio C 配備一台 Neve 88R，配上由12路 Neve 1081與12路定制 Air Montserrat 組成的24路遠程話放。對《RAM》來說，大部分時間和精力都投入到——得到 Daft Punk 想要的音色。”錄音非常嚴格”，Franco 說，”拿鼓來說，我們花了不少時間讓它聽起來是’對’的，軍鼓非常重要，很多70年代末期 disco 專輯的軍鼓都很輕柔。”
Guzauski 補充，”挑選合適的話筒、合適的話放、恰當的擺位，大致就能做到，混音只加一點 EQ，盡可能讓聲音保持自然。傳統的制作就是這樣，EQ只是稍作修飾，不是大幅度修改。話放的選擇稍有不同：底鼓和軍鼓用的 API，用它錄的聲音很漂亮、有力；吊頂話筒和通鼓用的 Neve，聽起來更輕快。多數情況下，Daft Punk 想盡量減少房間聲，就像70年代的鼓聲——在全被吸音棉覆蓋的棚裡錄制的聲音，高頻段聽起來很死那種（高頻被吸掉）。我們最後還是有拾取一些房間聲，讓聲音聽起來更具現代感。”
“話筒方面，光底鼓就4只話筒：AKG D112、Sony C500、Neumann U47、還有一個 Subkick，這樣我們可以從不同的角度來混底鼓——D112 的低頻漂亮、結實，中頻富有衝擊力；C500 有著特色鮮明的高頻，相當緊實的低頻，能夠拾取更多鼓錘；U47 的低頻更多一些，衝擊力稍顯薄弱；如果想要得到更低的頻率，就要使用 Subkick。需要什麼音色就調整四只話筒的比例，不用依賴 EQ，這是我第一次在底鼓上用這麼多話筒”。
“軍鼓用的 Shure SM57，軍鼓裡面用的是 AKG C451。通鼓用的 Sennheiser 421，吊頂用的 Schoeps CM5U。Room Mic 其實可有可無，不過還是拿了 U67 以防萬一。通鼓與吊頂話筒搭配 Neve 88R 的遠程話放，用 Neve 1081 和 Teletronix LA2A 做 DI 錄制 Bass。Chris 的鍵盤也是 DI，不過 Fender Rhodes 用的 U87。鋼琴在琴錘上放了兩支 DPA，在後面琴弦的地方用了一支 U67。”
“磁帶機是 Studer A827，用 ATR 磁帶與杜比SR降噪，SR降噪出現在80年代，能夠稍微削弱大瞬態，同時會讓低頻變多，這種模擬的特點就是我們想要的。數字設備包括 Guy-Man 和 Thomas 御用的 Lynx Aurora 模數轉換與 Antelope 的時鐘。磁帶通過 SMPTE 來錄制，所以和 Pro Tools 保持同速。錄完後，我們把相同的磁帶素材轉制到同期的 Pro Tools，我們在每一階段都能得到同一個素材的兩種版本。我們沒法把模擬素材保存在模擬設備中，需要把它們轉到電腦中才能進行編輯。”
圖：Henson 錄音棚工作照：Mick Guzauski、Peter Franco 和鍵盤手 Chris（右後）
全球協作
接下來的一年半，專輯的錄制在全球三地同時進行，Guzauski 在洛杉磯與紐約輾轉，剩余的錄制轉戰到巴黎的 Gang Recording Studio，由 Florian Lagatta 操刀。而 Daft Punk 也在巴黎的個人工作室裡，錄制了大部分經聲碼器處理的人聲。
Guzauski 說到，”在 Conway Studios 的錄完之後，我們轉戰到60年歷史的 Capitol Studios 錄制管弦，幾個月後，我又去了洛杉磯的 Henson 錄音棚錄 Paul Jackson 和 Greg Leisz 的吉他。後來在 Conway 錄了更多貝司和鼓。有一位名叫 Quinn 的打擊樂手，他帶了自制的套鼓，這組鼓發出的聲音絕對獨一無二的，所有東西全都是DIY的，聽起來絕了。”
“錄制管弦在 Capitol 的A棚和B棚，那兒有一面可移動的牆。我們在A棚放了25人的弦樂組，用三支 Neumann M50 以”Decca Tree”方式進行拾音，A棚還有打擊樂和定音鼓，B棚有銅管組和木管組。錄制弦樂的時候，要麼和隔壁棚的銅管組一起錄，要麼和木管組一起錄，但在A棚錄打擊樂的時候，就不牽扯到木管或銅管組，所以四種管弦樂器是獨立並相互聯系的。”
“吉他音箱用了 SM57、Royer 121 和 U87，然後仔細對比錄音，決定用哪個。Room Mic 是 U67、話放是 Neve 1073，某些情況下，我們也用 DI，用哪種方式取決於這是什麼歌。我們用 Schoeps CM5U 配 Neve 1073 錄木吉他，用 U87、1073 和 UA 1176 錄滑棒吉他。在人聲上，我給 Todd Edwards 用了 U47，給 Paul Williams 用了 U67，兩支話筒都搭配 Neve 1073 和 LA2A。”
圖：Conway Studio C棚的收音室
留下或刪除
所有通過模擬和數字方式錄制的音軌——尤其是管弦，都要成對導入 Pro Tools。Daft Punk 還加入了很多合成器音軌，所以工程龐大。Paul Williams 演唱的《Touch》大致有250軌，這都得在 Pro Tools 裡編輯，但團隊使用的是只能跑96軌（96KHz）的 HD3，因此得做取舍：該音軌用模擬軌還是數字軌？還是兩個版本都刪除？
“模擬的和數字的版本很相似，仔細聽還是不同”，Guzauski 解釋。”數字版本聽起來清脆，瞬態好，但很多情況下，我們要的是模擬版本的慵懶聲。”
Franco 說：”選擇標准是盲聽，多數情況下會選模擬，磁帶的音染聽起來更甜美，但有時也需要數字的衝擊感。有件事得知道，2008年我們做實驗的時候，還在用 UA 2192 做模數轉換（已停產），聽感不錯，只是音染重；2010年末時我們開始使用 Lynx Aurora 16，音染低，聲音干淨多了；在終混的時候，我們用的是新上市的 Pro Tools HDX，數字設備發展得很迅猛。
圖：Peter Franco (左)和 Mick Guzauski 在 Henson Studios。
混音
2012年夏天 Guzauski 接到電話：錄音完成，開始混音。混音還是在康威，歷時2個月。”通常混音前要做一些’預熱'”，Guzauski 說：”但他們帶來了編輯完美的 Pro Tools 工程，音軌組織有序、一目了然。Dan Lerner 和 Peter Franco 都已經編輯完了，我只需做純粹的混音！”
“混音花了一些時間，Daft Punk 先聽我混，我再調整，他們還可能在旁邊的房間裡用另一套 Pro Tools 再編輯下，然後我再調整。雖然 Neve 88R 也可以用 Automation 做混音，但我只用 88R 的模擬部分，否則難以撤銷操作。唯一用到的軟插件是 UAD 的嘶聲消除器，錄音不可能精確到沒有嘶聲。除此之外，用的都是調音台自帶的EQ和壓縮、以及機架式硬件。監聽是 Guzauski-Swist GS-3a，由我和 Larry Swist 一起開發的。Daft Punk 非常喜歡，也買了一對兒。”
“底鼓和軍鼓采用平行（Parallel）壓縮，用 LA2A 或1176，整個鼓組用 API 2500 做平行壓縮，也有時候用的 Chandler EMI Zener。《Touch》有很大一部分都用的是 Zener，還用了一些調音台自帶的EQ和壓縮。混響大多數是 EMT 140，偶爾用 EMT 250，這款聲音比較現代。貝司上什麼都沒用，只在調音台上稍微突出一點中頻。動態的控制主要靠調音台，硬件壓縮器只是當效果器用。”
“吉他沒花什麼功夫，用調音台在 5KHz 做了點提升，然後就完事兒了，我們用不同的話筒錄吉他，如果想要不同的效果，換成另一支話筒的音軌即可，鍵盤和合成器上也是如此。管弦上用的混響是 EMT 140，但我在 Capitol Studios 錄下了現場的混響，可以增加自然的現場感。”
“我很關注人聲，通常會加一點高頻，讓人聲突出，同時在 3-4kHz 附近切一個很窄的頻段，因人而異。另外還有 dbx 902 或 UAD 的嘶聲消除器，這樣就能在去除嘶聲的同時加亮人聲。人聲上我常用 LA2A，有時候用 EMT 140，同時使用 Lexicon PCM42 或 Eventide H3000 延時。”
“Daft Punk 用聲碼器處理了不少”機器人聲”，他們想讓這聲音聽起來像人，盡可能富有感情。這就需要稍多的壓縮和調音台EQ。聲碼器會讓有些頻率非常突兀。所以有相當多段的參量均衡是在GML EQ上做的。用在他們聲音上的壓縮器是1176。”
圖：經典的 Neve 33609 壓縮器
“混音無非就是讓聲部之間的關系明確。我們做了大量實驗，很好玩。例如給 Master 加了一對兒老式晶體管均衡器，然後再接個 Avalon EQ 讓聲音聽起來更干淨，最後再加一個總線壓縮，大多數情況下是 Neve 33609，我們盡量選用不同的硬件去完成不同的歌。有時候接一台設備卻不做任何操作，只是為了得到它變壓器或是放大器的染色。”
“壓縮器我們挑選了很久，像 1176、 LA2A 和 Neve 33609，進行同一型號的比較（不同年份與批次的聲音不同）。Daft Punk 還帶來了老款但”打磨”過的 33609，聽起來確實不一樣，他們砸了很多錢，把這壓縮器買了，沒人不愛這玩意兒啊！這就是玩模擬設備樂趣——每一台設備都聽起來稍有不同。”
圖：Mick Guzauski 與自己研發的監聽音箱：Guzauski-Swist GS-3a（主頁），配備12寸低音、3寸ATC球頂中音、3分頻、全封閉低音腔、獨立的 3700W Class-D 功放。
Mick 住在紐約城東40英裡，擁有自己的私人錄音棚 Barking Doctor。棚裡有一堆頂級硬件：Sony Oxford、Eventide、GML、AMS 和 EMT，但大部分工作都在電腦上完成。他在《RAM》的經歷會不會讓他重新回到模擬的工作方式？”不能完全做到。現在電腦上的聲音聽起來也不錯，但更關鍵的是工作量。我有時一天同時混 3-4 首歌，撤銷操作太重要了！”另外”Pro Tools 開始變得好聽，UAD 也是，但我還是使用硬件混響，還沒找到能替代 Eventide 2016 或者 AMS RMX16 的插件。”
多種母盤
混音結束後，專輯送到著名母帶師 Bob Ludwig 手中。
這一部分對聲音的改變不大，但下的功夫依然令人咋舌。Guzauski 說，”我們要挑選3種方式的磁帶機音色，一台是15英寸/秒的轉速，另外兩台是30英寸/秒的轉速。三台都是 Ampex 102，帶有專門定制的 Aria 元件。在一些歌上，我們喜歡15英寸/秒的版本，聽起來磁化程度更高、瞬態更柔和。但大多數歌曲是來自30英寸/秒的版本，兩個版本都是原廠 Ampex，區別是一個用 Flux 磁頭，另一個是原廠磁頭。”
“三台設備的聲音非常接近，可 Thomas 確實是發燒友，能聽出來不同。他和 Guy-Man 一絲不苟地校對這些設備、每天檢查並重置設備、給每一卷磁帶的錄音對齊，還用精度分析儀來優化偏磁、校驗失真。磁帶用的 ATR，然後用一台八軌 Sonoma DSD 錄下來仔細盲聽對比，因為反復播放磁帶可能會掉磁。我喜歡 DSD 的聲音，仔細聽的話比 Pro Tools 好聽，雖然沒有完美的透亮感，可我就喜歡。”
在整個混音與母帶階段，Daft Punk 始終強調一點：他們對響度一點兒都不感興趣，Guzauski 說：”如果開始變響，他們就會讓我拉推子。”
圖：傳說中的母帶師 Bob Ludwig，9次TEC最佳母帶工程師、3次格萊美、2次拉丁格萊美、1次奧斯卡（影視混音傑出貢獻獎）。
在路上
母帶工作由 Bob Ludwig 以磁帶的形式在波特蘭和緬因州完成，還有一些母帶是 Antoine Chabert 在法國 Translab Studio 完成。投入了如此多時間和精力，已無法用”百萬美金”來衡量，Daft Punk 對最終母帶如視珍寶，取回母帶都是從洛杉磯開車回東海岸，”不想讓任何人摸一下這些母帶，這是唯一辦法”，Franco 解釋，”這樣母盤就不用被雷達和金屬探測器什麼的輻射到，我們傾注了太多心血，就好像是親生孩子，絕不能交給快遞公司！”
“走到這一步很不容易，但一路下來也很開心，沒有理由失落或者害怕市場不接受，我們所有的付出都是對的，每位參與者都認可制作理念。那時候，我們和好多牛人整天泡在棚裡，感覺像參加夏令營一樣，這是一次神奇的經歷，這些快樂也能從我們的音樂中聽出來。”
Daft Punk 的獨特視角、投入的時間、金錢和精力，都是這張專輯必將不朽的原因，他們讓專輯聽起來充滿了”人味”。
（轉載文章出自 http://www.soundonsound.com/sos/jul13/articles/daft-punk.htm）
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